Le Penseur. Original ou copie? Le moule est important

La Victoire de Samothrace et le Moïse de Michel Ange sont des sculptures uniques, travaillées en marbre. Mais avec le bronze nous nous heurtons à une contingence: cette matière ne peut pas se façonner, il faut la fondre. C´est pour ça que les sculpteurs travaillent à l´origine avec un modèle en bois, en plâtre, en argile ...
D´après cette sculpture primitive on construit (après plusieurs processus) un moule en céramique qui va être rempli de bronze fondu. On attend jusqu’à ce qu’il ait refroidi, on brise le moule et voilà … Le Penseur est devant nous.
Si nous refaisons le même processus à partir de la même sculpture primitive, nous aurons un autre original, un clone. Alors, combien de “Penseurs” sont répartis dans le monde? Je pose la question à un autre camarade pour qu’il continue l´enquête.

Rodin à Logroño

Photos de Pepe Notivoli:
La mairie de Logroño et la Fondation La Caixa organisent l’exposition de sept sculptures d’Aguste Rodin dans le cadre de « El arte en la calle ».
L’exposition se tiendra du 25 Janvier au 20 mars sur la place du Marché de Logroño.
Pour en savoir plus sur Rodin :
Qui est Auguste Rodin ?
Musée Rodin
Camille Claudel et Rodin

Monet au Grand Palais

Du 22 septembre 2010 au 24 janvier 2011, le Grand Palais rend hommage à Claude Monet, le père et représentant le plus illustre de l'Impressionnisme. Près de 200 toiles sont exposées pour la période 1840-1926.
Faites un voyage unique à travers 12 tableaux de l’artiste :

http://www.monet2010.com/fr#/voyage/

ou visionnez tous les tableaux de l’exposition :

http://www.monet2010.com/fr#/galerie/

Flora

FLORA

Mon choix a été cette fresque qui se conserve au Musée Archéologique National de Naples et qui a été trouvé parmi les ruines de Pompeï, et plus concrètement sur les murs de la Villa Arianna à Stabias, village à six kilomètres de Pompeï.

Comme vous le savez, Pompeï, Ercolano et Satabias ont été enterrés pendant la violente éruption du Vésuve en soixante dix-neuf après Jésus-Christ.

Cette peinture s’appelle Flora, parce que la femme représentée ressemble à Flora, la déesse du printemps à qui avait été confiée la protection des fleurs et qui possédait aussi l’éternelle jeunesse. Autres chercheurs disent qu’il s’agit peut-être de la maîtresse de maison.

Je l’ai choisie parce que je trouve que c’est une scène pleine d’élégance et d’harmonie. La Jeune femme se promène dans le jardin en ramassant des fleurs sauvages. L’image est très legère, on dirait qu’elle danse.

Je voudrais remarquer le tracé de la tunique qu’elle prend sur les bras, et aussi le contour du visage, les doigts et les pieds nus qui ont l’air d’avoir une vie. C’est une posture pleine de style .

C’est qui m’a le plus frappée, c’est de penser que cette peinture, comme les autres trouvées lors des fouilles, se trouve dans une maison privée, et qu’elle occupe un mur de n’importe quelle pièce. Ces maisons étaient vraiment, sans le savoir, des musées d’art.

Les dimensions de la fresque sont: 1 mètre 20 sur 1 mètre 60.
Yolanda aires

Ulysse et les sirènes

ULYSSE ET LES SIRÈNES (1891)
John William Waterhouse (1849-1917)
National Gallery of Victoria (Melbourne)
Huile sur toile
Ce tableau raconte l´histoire du héros grec Ulysse pendant son long voyage de retour à Ithaque après la guerre de Troie. Ulysse, mis en garde pour la sorcière Circé, qui sait qu´il doit passer près de l´île des sirènes, utilise un stratagème pour sauver son bateau. Il se fait attacher au mât du navire, après avoir placé des bouchons de cire dans les oreilles de ses marins pour qu´ils ne puissent pas écouter l´appel obsédant des sirènes. Il peut, de cette façon, satisfaire leur curiosité et les écouter.
J´ai choisi ce tableau pour la façon de dépeindre les sirènes. Pour les grecs, elles étaient des monstres abominables avec le corps des rapaces et le visage d´une femme. Nous pouvons les voir comme ça dans plusieurs vases antiques.
Les sirènes des légendes germaniques et celtiques, mi-femme mi-poisson, sont nées au Moyen Age dont les connaissances et les cultures de l´antiquité étaient en grande partie perdues.
Patro González

La Crucifixion de Michel Ange

Un trésor à la Rioja, cette petite peinture à l’huile qu’on trouve dans le déambulatoire de la Cathédrale de La Redonda. Elle est attribuée à Michel Ange, bien qu’il y ait beaucoup de doutes sur son vrai auteur. La plupart des historiens d’art pensent qu’il n’est pas le tableau original, mais une copie faite par un élève de l’école de l’artiste.

J’ai choisi ce tableau parce que j’aime bien l’histoire d’amitié qu’il y a autour de cette ouvre. En fait, Michel Ange a peint ce tableau comme cadeau pour une très bonne amie, qu’il aimait bien: Vittoria Colonna. Elle était une jeune femme de la noblesse italienne, poétesse de grande culture et amateur d’art. Depuis la mort de son mari, Vittoria Colonna, qui était très religieuse, a demandé à Michel Ange de lui faire un petit tableau de la Crucifixion pour l’aider dans ses prières privées. Michel Ange a mis un grand intérêt dans ce travail. Il a dessiné différentes esquisses et corrections à la peinture, qu’on conserve encore dans le musée du Louvre et dans le British Museum. Finalement, il lui a envoyé l’œuvre, qui représentait un Calvaire avec le Christ Crucifié, au dessus deux anges, et aux pieds de la Croix, la Vierge Marie et Saint Jean l’Evangeliste. Vittoria Colonna est restée très satisfaite avec ce travail, comme on peut apprécier dans les lettres qu’elle a écrites au peintre et que l’on conserve encore.

Quelques années après, Vittoria Colonna meurt. Abattu, Michel Ange récupère l’oeuvre et il décide d’ajouter une dernière figure, à genoux, qui embrasse la Croix et qui représente Marie Madeleine. Michel Ange prend le visage de son amie pour faire le dessin et lui rendre hommage. Marie Madeleine porte sus les épaules un foulard, symbole de son veuvage. On dit que l’auteur a eu besoin de beaucoup de temps pour terminer le tableau. Il avait peur à finir aussi le contact avec la mémoire de cette femme qu’il tant avait aimée.

En ce qui concerne le dessin, on peut voir une figure principale, le Christ Crucifié et encore vivant qui regarde en haut. On peut remarquer l’expressivité et la spiritualité de son visage. Sur le cou, c’est écrit le mot hébraïque « Gibor », qui signifie « héros divin ». Sous le bras, on trouve deux anges qui regardent ce moment de la mort de Christ. Aux pieds de la Croix, on peut voir la Vierge Marie, Saint Jean l’Evangéliste et Marie Madeleine. Tous les trois regardent en haut, les yeux presque blancs et avec des gestes un peu théâtrales. En bas, il y a un crâne, qui représente le Mont Calvaire où Christ a été crucifié.

Comme curiosité, on peut observer une main mystérieuse qui apparaît derrière le corps de la Vierge. On pense que c’est une correction que Michel Ange a fait après avoir introduire la figure de Marie Madeleine / Vittoria Colonna.

Après la mort de Michel Ange, le tableau a été acheté par l’évêque de Calahorra qui l’a donné à la Cathédrale de La Redonda. Il a été oublié dans les coffres de l’église jusqu’à la seconde moitié de XXième siècle, quand il a été récupéré et placé dans le déambulatoire de la Cathédrale, derrière l’autel.

Manuela López Aguayo

Le Moïse

de Michel Ange
LE CHOIX : Tout le monde a entendu parler du Moïse de Michel Ange mais je pense que cette oeuvre d’art, qui m’a éblouie quand je l’ai vue à Rome, est une grande inconnue. C’est pour ça que je l’ai choisie, pour la redécouvrir un petit peu plus.

ORIGINE: Cette sculpture fut originairement conçue pour la tombe du Pape Jules II dans la Basilique de San Pedro, mais finalement le Moïse et la tombe ont été placés dans la plus petite église de San Pietro in Vincoli, après le décès du Pape. La tombe aurait du être une structure colossale de trois niveaux, avec 40 statues, le projet fut progressivement réduit jusqu'à une tombe avec une simple paroi.

L’INTERPRÉTATION: Le chef d'Israël se présente avec les Tables de la Loi sous le bras, tandis qu'avec l'autre main il caresse les boucles de sa barbe. On peut dire que c’est un moment d'extase après avoir reçu les Lois, mais en même temps il parait vraiment fâché parce que dans la vallée au pied de la montagne, le peuple d 'Israël est livré une fois de plus à l'idolâtrie.

L'importance des détails du corps et des plis du vêtement provoquent une certaine tension psychique, c'est un travail psychologique très étudié. Le Moïse paraît être en train d'exploser, se lever et commencer à crier. On voit cela par le froncement de sourcils, par son geste et son regard et par la protubérance des muscles.

CURIOSITÉ : Dans le genou du Moïse on peut trouver une marque ; ça peut-être le marteau de Michel Ange en frappant à son Moïse. La légende raconte qu’ une fois l’oeuvre finie , l'artiste a frappé le genou droit de la statue et il lui a ordonné: " Parle, chien! " parce que la seule chose qui restait à extraire du marbre était la vie elle-même.
Vanessa Bobadilla

La grotte d'Altamira

-Située à Santillana del Mar, près de Santarder.
-Son style artistique c’est ce qu´on appelle l´art préhistorique franco cantabrique.
-Chronologie : entre 18.000 et 14.000 ans avant J.C. La période Paléolithique Supérieur.

LES ZONES d´ Altamira :
Dans toutes les grottes il y a au moins deux zones :
1- Le vestibule, éclairé par la lumière du jour. C´est le lieu d´habitat
2- Une salle où on trouve les peintures.
La grande salle d´Altamira a 18 mètres de long sur 9 mètres de large. Mais sa hauteur originelle était entre 1,10 et 1,90 mètres.

LES ANIMAUX
Les animaux représentés sont : un mammouth, un renne, un bison des steppes, un cheval, un cervidé, deux sangliers et des signes.
L´artiste traçait un contour avec un pinceau ou avec un bout de charbon.
L´auteur représente quelques contours de la figure, le reste est suggéré par la forme de la paroi.

L´artiste d´Altamira a trouvé des solutions aux différents problèmes techniques :
Le réalisme anatomique, l´artiste préhistorique profite des reliefs naturels du plafond de la grotte qui créent une illusion de volume.
Les techniques du dessin et de la gravure pour la peinture ont utilisé différents colorants pour obtenir la polychromie :
L´ocre pour le jaune, rouge ou brun
Le charbon et l ´oxyde de manganèse pour le noir

En 1985 la grotte d´Altamira a été inscrite sur la liste du Patrimoine mondial de l´ Humanité par l´Unesco

Historique de la découverte :
En 1879 Marcelino Sanz Sautuola a découvert dans une grotte de sa propriété.
Les experts, chercheurs ont dit que cet ensemble pictural était une falsification. Ils ont douté de son authenticité. Vingt ans après, Emile Cartailhac a écrit en 1902 « La grotte d´Altamira. Mea culpa d´un sceptique ». L´authenticité a été admise, mais… Marcelino Sanz Sautuola était déjà mort.
Pilar Pascual

Nymphéas

NYMPHÉAS (1916)

Huile sur toile, 200 x 200 cm. Tokyo, Le National Musée d'Ouest Art. Collection Matsukata

Monet (1840-1926) était un peintre impressionniste français qui aimait peindre en plein air. La lumière et l'eau étaient très importantes pour l'artiste et il montrait la nature sur beaucoup de ses œuvres.
Il aimait les maisons avec jardin, c'est pour ça qu'il a acheté une maison à Giverny en 1890. Cette maison est ouverte au public comme Le Musée Claude Monet.
Il y a fait créer un jardin aquatique japonais avec un grand bassin avec des nénuphars, entouré de saules pleureurs et traversé d'un pont japonais. C'est ce jardin qu'il a peint sur une série de toiles de grandes dimensions qui sont placées sur les murs de deux salles ovales du Musée de l'Orangerie à Paris.
J'ai choisi ce tableau parce que j'aime la manière dont l'artiste nous montre les nymphéas. Ils sont peints comme des formes irrégulières avec des feuilles ovales dont la part inférieure est transparente mais la part supérieure a beaucoup de couleur. Monet mélange les nénuphars colorés avec le vert des algues et les joncs et le bleu de l'eau, créant ainsi une belle harmonie. La lumière du soleil fait qu'aussi bien les nénuphars que les algues et les joncs se réfléchissent dans l'eau.
C'est un tableau qui fait que le spectateur sente que le bassin ne finit pas dans la toile. Monet veut ainsi créer un effet d'infini.
Quand je le regarde, je sens que je suis un des nénuphars qui flotte très tranquille et relaxé sur l'eau.
Victoria Martínez Pérez

Les cerisiers

de Segundo Arce
J'aime ce tableau parce qu'il a été peint par un grand peintre qui était en plus mon ami. Fils adoptif de Logroño il est mort il y a quelques années. Logroño lui a rendu un hommage étemel en donnant son nom à une rue.

Description de l'oeuvre:
Un grand premier plan nous montre deux cerisiers en fleur illuminés par le soleil, accompagnés par un autre arbre moins vigoureux, peut-être plus âgé, mais fier comme un coq. Tout est enrobé par un paysage printanier.
Analyse:
On pourrait considerer le tableau comme un poème ouvert sur la vie. Sous l'ombre d'un cerisier en fleur on peut caresser des rêves d'amour. Quand on aperçoit le soleil à travers les branches le coeur s'accélère afin de toucher les rayons. Et l'arbre presque nu? Ah! Il sourit, l'expérience comme l' age, est un palier.
Le style:
Le paysage devient le véhicule d'expériences subjectives. La couleur annonce l'impressionnisme mais le peintre fonde sa peinture sur l'observation exacte, il adopte un tracé libre du pinceau qui augmente l'expressivité de son art.

José Liaño.

L’Immaculée Conception des Vénérables

de Bartolomé Esteban Murillo
Le pourquoi du choix: C´est un tableau qui exerce un magnétisme puissant et une attraction spéciale sur moi. Je l´ai vu pour la première fois il y a au moins 35 ans et je continue à le voir sur des cartes postales, des livres de texte, des images religieuses, des calendriers et des gravures. J'ai eu l'occasion de contempler cette toile au Musée du Prado. J’ai vu aussi des oeuvres d’une thématique similaire, style et auteur à L´Escorial et à d’autres galeries d'art, comme Le Louvre ou Les Uffizzi à Florence. J’ai découvert un reportage à propos de ce tableau dans la revue Hebdomadaire. Je me rappelle avoir utilisé cette image lorsque j´étais un enfant, de même qu’ils faisaient d’autres copains à moi, pour féliciter nos mères pour la fête des mères.

Titre complet. L’Immaculée Conception des Vénérables (à cause du lieu où le tableau allait être placé) ou de Soult (nom du maréchal de Napoléon qui l´a volé comme trophée de guerre, avec d´autres oeuvres d'art, pendant la Guerre de l'Indépendance).

L'auteur: Le sévillan Murillo avait un bon coup de crayon. C´est une figure très importante de la peinture baroque. La thématique habituelle de son œuvre est religieuse. Son oeuvre a été définie par trois mots qui se correspondent chronologiquement avec ses étapes: froide (peinture profane), chaude (peinture religieuse et de saints) et vaporeuse (ses vierges). C´est un monstre sacré, mais on l’a parfois appelé "le peintre de vierges", (de forme péjorative et méchante), motif récurrent chez Murillo.

La peinture: Cette peinture représente une scène aérienne. Le surnaturel du personnage est renforcé par la présence d'anges chérubins et d’une lumière intense et dorée. C´est une huile de 2 x 1´90 mètres. Elle représente l'Immaculée Conception de l'Apocalypse de Saint Jean: « …Jeune, brune, habillée de soleil sur la lune croissante... » Elle lève le regard, comme si elle cherchait Dieu, avec les mains croisées sur la poitrine, au niveau du coeur (le moteur de la vie). Cela dénote l'affection et la livraison d’elle-même, en attitude de prière, et indique qu’elle est le lien d'union entre Dieu et les hommes.

Les anges apparaissent comme des petits enfants espiègles et dodus. On remarque l’importance de la lumière, la maîtrise des effets et la technique de gradation lumineuse dans un tableau qui a des influences ténébristes ou “zurbaraniennes”. La lumière intense inonde le côté gauche, le côté droit demeure obscur ou dans la pénombre -il faut dire qu’à cette époque l'électricité n'avait pas encore été découverte-. La trentaine d’anges qui entourent la Vierge sont regroupés de façon irrégulière concentrique ou en spirale. Les divers plans de profondeur imprègnent le tableau d´un mouvement ascensionnel ou de succion. Les plis du vêtement, les cheveux et le manteau accusent le mouvement du vent. La figure statique de la Vierge contraste avec le mouvement des petits anges.
Jesús Manuel Pérez Sáez

Le serpent

RICHARD SERRA
Serra est né aux EEUU. Il y a fait des études de Littérature. Ensuite il a étudié à Paris où il a connu Brancusi et Giacometti.
Il aimait la sculpture et surtout, étudier le comportement des matériaux et de la gravitation. Il a donc travaillé avec le caoutchouc et le plomb. Maintenant il fait son travail le plus important avec l’acier. C’est un acier autopatinable dont la surface change avec le passage du temps. C’est un processus d’oxydation qui met environ dix ans. Pendant cette période la nuance et la texture changent petit à petit et on peut remarquer la rouille sur les planches.
Ce sont des murs de quatre mètres de hauteur et 5 cm. d’épaisseur. C’est le “serpent”. Posée sur le sol, elle reste en équilibre sans fixation.On peut remarquer qu’il n’y a aucune ligne verticale. Tout celafait que sa pièce soit pleine de tension.
Comme les planches son courbées, on dirait, malgré son poids, qu’elles sont très légères. Les murs se penchent vers la droite ou vers la gauche ce qui donne à l’acier une grande flexibilité et dynamisme.
Envahi par la philosophie du jardin zen, où il n’y a jamais une vision unique, Serra a créé une oeuvre de grande taille. Cette disposition permet qu’on puisse cheminer entre les murs et offre en même temps au spectateur différentes sensations.

Carlos Sierra

Le bain turc

de Jean Auguste Dominique Ingres, 1862.

J’ai choisi ce tableau parce qu'il a été l’inspiration pour la photographie de Man Ray «Violon d’Ingres» prise en 1924 à la modèle Kiki de Montparnasse, muse de beaucoup d’artistes des « années folles » à Paris. Kiki et Man Ray ont eu une relation pendant six années. Il a pris plusieurs photos de Kiki, mais cette image est devenue un symbole du Surréalisme, et c’était seulement un exemple du talent de cet artiste.

Ingres a peint « Le Bain Turc » en 1862 quand il avait 82 ans. Ce tableau érotique a été peint de mémoire, sans modèle. Il s’est inspiré des nombreux croquis et des tableaux réalisés au cours de sa vie. Alors on retrouve des figures d’autres tableaux, comme l'odalisque aux bras levés qui s'étire au premier plan: il s’agit de la femme de l'artiste - Madeleine Chapelle..

Cette œuvre présente une foule de femmes nues dans un harem. Ingres est marqué très tôt par le courant orientaliste, mais il n’a jamais voyagé en Afrique ni au Moyen-Orient. Il s’est inspiré dans le passage d’un livre de Lady Mary Montagu « Lettes d’orient » qui disait : "Je crois qu'il y avait en tout deux cents filles…De belles femmes nues dans des poses diverses... les unes conversant, les autres à leur ouvrage, d'autres encore buvant du café ou dégustant un sorbet, et beaucoup étendues nonchalamment". Mais dans le harem d’Ingres les éléments orientaux sont rares : les instruments, les coussins, quelques parures et le plateau du thé. Les femmes à la peau blanche et aux cheveux blonds sont plus européennes qu'orientales.

La première chose qu’on voit quand on regarde ce tableau c'est le turban. Il y a un jeu d’illumination qui attire notre attention sur le turban de la femme au dos nu, ensuite on regarde tous ce qui l’entoure, c’est comme la clé qui ouvre la porte de cette scène intime et mystérieuse.

Il y a encore un jeu avec la perspective de la nature morte qui est au premier plan; le plateau du thé en miniature, qui donne aux femmes un caractère monumental, comme si elles étaient plus grandes que la réalité.

Le premier acheteur du tableau c’était un membre de la famille de Napoléon III, mais il le rendit au bout de quelques jours parce que sa femme le trouvait obscène. Ingres a du transformer le tableau de forme carré en ronde. Les jambes de la femme en bas à droite, jugées trop lascives ont disparu. En plus il a ajouté une femme qui se glisse dans la piscine pour garder la symétrie et la danseuse avec les castagnettes au fond qui semblait s'appuyer sur le bord du tableau maintenant est liée au groupe des femmes de l'arrière plan.

Le Musée du Louvre a refusé pour deux fois avoir ce tableau dans sa collection, mais finalement et grâce au don d’un mécène on peut l’admirer dans ce musée.
Mila Ruiz

Allons au musée

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Les Fileuses ou la fable d'Arachné

Ce tableau est une huile sur toile très connue de Diego Velázquez. Il l’a peint pendant les dernières années de sa carrière et actuellement il est exposé dans le Musée du Prado à Madrid.

Ce tableau représente un atelier de fileuses où il y a trois plans bien différenciés. Au premier plan il y a cinq femmes qui travaillent à préparer la laine pour qu’elle soit prête à faire de la tapisserie. Au deuxième plan on peut voir cinq autres femmes qui sont richement habillées. Et le troisième plan est représenté par une tapisserie qui est accrochée au mur. Il semble que les femmes contemplent une scène de mythologie. Cette dernière scène donne au tableau le titre « La fable d’Arachné », selon laquelle Arachné était une femme très douée pour la tapisserie. Elle tissait avec une habileté extraordinaire. Mais elle avait par contre le défaut de la vanité. Elle affirmait qu’elle pouvait tisser même mieux que les déesses. Quand Pallas Athéna a entendu la nouvelle, elle a mis Arachné au défi de faire une tapisserie. Toutes les deux ont fait des tapisseries très parfaites.

Arachné avait représenté sur son travail comment Jupiter, qui était le père de Pallas, trompait les femmes pour qu’elles fassent ce qu’il voulait. Pallas s’est froissée pour cette représentation et elle a puni Arachné en la transformant en une araignée pour qu’elle fasse des tapisseries pendant le reste de ses jours.

Avec cette fable le peintre a voulu exprimer que la modestie a plus de valeur que l’habileté et que la rébellion contre les dieux sera toujours justement punie.

J’ai choisi ce tableau parce que c’est celui qui m’a choqué le plus pendant ma visite au Musée du Prado l’année dernière. Il n’y a que des femmes sur le tableau et je me suis sentie représentée par les fileuses qui travaillaient pour gagner leur vie. J’ai été aussi surprise par le réalisme que Velázquez est arrivé à obtenir avec l’éclairage de l’œuvre et les couleurs employées. C’est un vrai chef-d’œuvre.

Marta Córdoba

Terrasse du café le soir

de Vincent van Gogh

Ce tableau, également connu sous le nom de Terrasse de café sur la place du Forum, a été réalisé par le peintre hollandais Viincent van Gogh, en septiembre 1888 à la ville provençale d’Arles, où il habitait pendant cette période de sa vie. J’ai choisi ce tableau car j’aime ses couleurs chaudes et la profondeur de sa perspective, et aussi car le tableau m’inspire la tranquillité d’une soirée en été.Cette oeuvre représente la terrasse d’un café situé à la place du Forum, dans le centre ville d’Arles. On peut donc observer les lumières de gaz et les étoiles qui allument la terrasse avec des petites tables et chaises, les clients assis en train de boire un verre, et la serveuse. Cette partie du tableau est donc sous l’effet d’un mélange d’éclairage naturel et d’éclairage publique (artificiel) ce que Vincent aimait bien. Au fond de la rue, dans l’obscurité, on peut voir des silhouettes qui se promènent: une voiture de chevaux dont on peut distinguer la tête du cocher, un couple d’inconnus qui se croisent, l’homme qui regarde la femme sans se gêner. Les étoiles, qui ne sont pas que de couleur blanche, mais il y a aussi des étoiles en rose ou en jaune citron, représentent la constellation de verseau, même si elles sont dans une direction différente que dans la réalité: l’artiste a considéré mieux de les tracer en parallèle aux toits des maisons.


Gema Martin

Le jardin des délices

L´œuvre a été réalisée par le peintre néerlandais Jérôme Bosch, au début du XVI^ième siècle. C´est un tableau à l´huile sur bois ; il est placé à Madrid, au Musée du Prado. La peinture, aux tonalités chaudes et de couleurs vives, a un objectif moral et didactique, qui illustre les péchés et les châtiments infernaux, et devrait susciter une émotion religieuse.

Le tableau est un triptyque :

• À gauche : la représentation du Paradis Terrestre. C´est le moment où Dieu présente Eve à Adam. Ici se place l´Arbre du Bien et du Mal. Cette partie annonce le «péché original».
• Le panneau central montre le Jardin des Délices : on vit sans aucune conscience morale, donc la composition est consacrée aux vices. Il n´est pas facile à comprendre, car il y a beaucoup de symbolisme.
• À droite, on montre les torments de l´enfer. Ici, les couleurs sont sombres.
  

Avec les volets fermés, le tableau représente une sphère terrestre en suspension dans l´espace, bouillonnante de vie : il s´agit de la Genèse.

José Luis Sampedro

La jeune fille

de Gustav Klimt
Ma mère avait une planche encadrée de ce tableau dans son bureau et quand j’étais petite j’allais la chercher à son travail et je passais longtemps à la regarder, c’est la raison pour laquelle je l’ai choisi.
“La Jeune fille” a été peint entre 1912 et 1913 par Gustav Klimt. Le peintre autrichien représente dans ses oeuvres la sensualité, l’érotisme et l’homosexualité mais son principal sujet est la femme. Il la peint comme un être attirant, énigmatique, mystérieux et sublime. Dans ce tableau nous pouvons apprécier les principales caractéristiques de l’art nouveau: la tendance à l’abstraction, les formes florales et géométriques, la ligne ondulée asymétrique et l’objet et l’ornement qui se mélangent jusqu’à la confusion. Klimt joue avec l’opposition entre la figuration concrète et l’abstraction, avec l’abondance, les corps et la décoration se fondent.
L’oeuvre nous montre un groupe de filles, nues ou semi nues, qui reposent entre fleurs, guirlandes, rubans et tissus d’inspiration roumaine. Elles se trouvent comme dans une île flottante, à la dérive, sur une surface diffuse et foncée. À travers le tableau, Klimt veut nous montrer les différentes étapes de l’inconscience avant de devenir femme. Le passage de fille à femme. Actuellement, on peut voir “La Jeune” à Prague, dans la galerie Narodni.
Paula Marrodán

La Spoliation du Christ

Toile à l'huile 285 x 173 cm
de Domenicos Theotocopoulos, dit "El Greco"

Pour la cathédrale de Tolède, "El Greco" a réalisé, entre 1577 et 1579 une de ses oeuvres les plus connues: " La Spoliation de Jésus Christ". Le tableau était destiné à orner le garde-robe de la sacristie, où le thème acquérait une grande valeur symbolique.

Dans ce chef d'oeuvre, la composition est vraiment remarquable, une leçon magnifique du style maniériste: Il y a tant de figures qu'on voit à peine un petit morceau de sol libre sous les pieds de Jésus. C’est lui qui occupe le centre de la scène, enveloppé dans une grande cape en rouge, symbolisant son prochain martyre. Beaucoup de personnages l'entourent: à sa droite, un soldat romain habillé en armure de l'époque; devant lui, un homme qui prépare la croix pour l'exécution; au premier plan, à gauche du tableau, les trois Saintes Maries qui regardent Le Maître, pleines de douleur. Au fond, une multitude de personnages à visages grotesques, dont l’un regarde directement le spectateur

A souligner aussi le visage du Rédempteur, eclairé, plein de noblesse, les yeux brillants de larmes dirigés vers le haut, sa main droite sur le coeur en position très typique dans les portraits de ce peintre, les deux doigts centraux unis.

Le tableau a été le seul que "El Greco" a peint pour les dirigeants de la cathédrale. Il y a eu des différences d'évaluation de l'oeuvre, à cause desquelles la toile a été retenue par l'auteur pendant deux ans, en attendant le résultat du procès, qui n'a satisfait aucun des plaidants.
Joaquín León

Le baiser

de GUSTAV KLIMT ( Vienne, Autriche 1862-1918)
L’œuvre est symboliste pour l’utilisation de rectangles noirs et blancs qui représentent la virilité de l’homme, pour l’utilisation des motifs ronds et colorés qui expriment la féminité et pour l’enveloppe dorée, dans laquelle ils sont enlacés, qui représente la sexualité. A la manière du symbolisme, Klimt est arrivé à échapper à la censure et à évoquer les aspects les plus secrets de la réalité. Les thèmes symbolistes sont touchés :
- la femme idéalisée
- les sensations fortes (ici la sexualité)
- et même le mal, avec le tapis de fleurs qui finit brusquement est qui représente l’instabilité de l’amour et sa fin abrupte.

L’identité des amants n’a jamais été complètement élucidée ; quelques-uns disent qu'il s'agit de Klimt lui même avec sa maîtresse Emilie Floge.

Je ne me rappelle pas quand j’ai vu ce tableau pour la première fois. Selon moi, c’est une peinture universelle qui fait partie de la culture générale. Donc j'ai l'impression de la connaître depuis longtemps.

Je l’ai toujours aimée parce que certains y voient un symbole d’union (un monde d’harmonie où les amants sont isolés dans la sublimation du sentiment amoureux) par contre d'autres y trouvent l’affrontement entre les sexes.
Je trouve très intéressant qu’on puisse avoir plusieurs possibilités d’interprétation. Par exemple :
- les motifs carrés et noirs de l’homme et ceux ronds et colorées de la femme : sont-ils antagonistes ou complémentaires ?
- la femme qui reste passive, qui se laisse faire, avec les mains qui semblent crispées et avec les orteils qui s’agrippent au bord de la falaise : du plaisir ou de la colère ?

Ce tableau attire mon attention pour la composition des formes et des couleurs. L’utilisation de l’or et des reflets donnent au tableau un aspect de rêve irréel.

Laura Puente